“老普利尼曾如此解释绘画的起源：一位女孩为了留住情人的身影，在墙上绘制了他的影子轮廓；亦有人说，绘画源自一位美少年情难自禁地溺于水中的自身倒影。”

(资料图片仅供参考)

——尤洋 UCCA集团艺术总监

对于美术馆或网络节目的观众（今天这两个群体正在趋向重合）而言，每个人都生活在图像的时代，这也致使我们更习惯用图像视角进入生活中各个领域，如对于艺术作品的赏鉴，知识文化的汲取，或愉悦地度过闲暇时间。虽然图像（Images）与绘画（Paintings）艺术的概念范畴目前尚有丰富的讨论空间，但总体而言，欣赏绘画与欣赏图像是两种不同的认知路径；与此同时，人类图像的历史也涵盖了艺术演变的轨迹。

本次展览“图像的影子”试图从媒介、体制与空间的三重互文视角对此进行讨论和呈现，从而为观众建立自身的观看之道抛砖引玉。值得一提的是，在展览现场不仅展现了由“艺术家自述”、“展览策展人”、“了解艺术家的人”、“明星策展人”、“观众”等不一身份对节目六强选手作品的多角度见解，观众亦可通过扫描作品旁的微博二维码进行评论，留下你对作品的理解和感悟，不仅有机会与艺术家进行线上互动，更有机会出现在展览现场，被更多的观众看到，成为展览本身的一部分。

一起闪现展厅

看看 TA  们对作品

说了些什么 ？

尤勇 

《聚众独处》 

2023 

布面油彩 

320 × 180 cm

©尤勇

“

孤独在不同时代有不同的形式，内核没什么变化。绘画或艺术形式上的变化往往被称为突破、创新、革命，尤勇这一幅作品形式上看起来不突破、不创新、不革命，但很容易“看进去”，看着看着又觉得它并不是表面上那么传统；你很容易进入画中，无论是感受到里面的物理还是心理因素。“新”到底是一种什么价值？我不清楚。

李诞

湖南卫视《会画少年的天空》策展人

”

尤勇的油画渐渐修成他自己的正果。长年累月，数百件写生磨炼，他所描绘的人物不再是单独待着，等他画，而是三五成群聚拢来，休闲、饮食，在客厅、在河畔——他（她）们变为某个片刻，变为他的“人物”，而不再是模特儿。

这是尤勇的日常生活，也是眼下部分中产青年的闲暇时光，一种近乎当初印象派描写摩登都市的初衷。但尤勇赋予闲暇场景以纪念碑式的效果：形体的浮雕感（《餐桌上的家》）、均质的色调（《聚众独处》）、人物的无表情、边缘处理的清晰，都给出了近乎文艺复兴壁画的恒定效果——他想使他的单幅创作不仅仅表达愉悦、挽留岁月，还具有绘画本身的凝固性与庄严感。

他借“聚众”与“独处”的地域，点出了画中人的当代问题。

但他的意图，甚或野心，似乎不止于此。《心猿意马图》中的超现实想象（早年毕加索为舞台布景画过相似的图式）、《我的复数形式》中的背影与镜像（他成为被观看的人：那个人正在观看自己），是他试图从写实的桎梏中有所出离的体现。至少，他画出了他对写实美学的轻微厌倦；而厌倦，总会引发反省与挣扎。

黑白油画长卷（《既济图》）显然来自传统中国画的诱惑。这里，尤勇可能在测试同一媒介中的背叛是否可能。我与尤勇做的是同样的事情，我相信，我们都不确定这种背叛的结果；我们只能确定，写实绘画的出路与变化（如果真有的话）一一只有试着去做，而尤勇是个认真做事的画家。

陈丹青

画家、作家、木心美术馆馆长

“

尤勇描绘了杨柳依依、飞燕北归的季节，七个人在河岸草地上聚会的场景，人物聚拢在一块野餐布上，但各怀心事、各玩手机。通过精心排布人物姿态和色彩序列来协调画面空间——人物或站或跪或躺，形成高低节奏；从人到景，被赋予不同层次的绿色——他试图在画面中创造连贯而明快的效果。

仔细审视画面，尤勇似有更深的用意。人物之间虽身体各有接触，却毫无交流，如同符合比例规则的静物体块被摆至画布上。两张草稿透露他细致的思考过程。他调整河水和河岸草地的位置关系，缩小草地的面积，视平线下移，人物被更大程度地推向画面下端，强化了人物聚集但互不相干的视觉效果。再加上玩手机的细节，现代社交关系便昭然若揭。

塞尚在画《圣维克多山》时常将一棵松树置于左侧前景处，作为取景装置，将观者视线导向远处的山脉。相似地，尤勇画中的柳树既是景中物，将同一时空分割成不同的段落，也是画面与观者联结的通道，是艺术家操控观者视觉的隐喻。

王佑佑

展览“图像的影子”助理策展人

于立洋 

《家园》 

2023 

国画拼贴、综合材料 

400 × 250 cm 

©于立洋

“

艺术家采用了拼贴的创作手法来完成作品，这对于相对局促的创作时间而言，不失为一种巧妙的解决方案，同时预留了观众的共创通道，使得作品产生了双向的意义，具备了一定的公共属性。

艺术家所创作的城市景观属于中国画中的山水题材范畴，山水画自唐代成形后，逐步将画品的评价核心从“神韵”推演到“意境”的层面，意境则强调主客体的交融汇通。《家园》画面中表述的内容既包括长沙路人的生活情境，也蕴含着作者自身对于“居所”的象征性投射；构图则接近中国山水画中的“高远”和“深远”，其远处云端似有淡皴，楼宇呈现出崇山峻岭的山水效果，同时提炼了中国各大城市对于建筑集群的普遍性视觉经验；夜霭中重影迭起，星星点灯，令画面多一层动感，仿若低声说着对明日的期待。

拼贴(Collage)创作手法一般被认作起源于20世纪初的巴黎画派（如勃拉克和毕加索对综合立体主义的尝试），在随后的欧洲前卫艺术运动中被广泛应用。虽然于立洋所经历的学院教育为中国画专业，但一方面得益于同在20世纪初的中国画的现代转型实践——随后的中国艺术家在创作语言和材料上对此并不陌生；另一方面也可窥到今日美术教学思路的开放性——均不满足于对于“会画”所接近的“能格”，而试图借手他者之法触及“妙格”。

尤洋

UCCA集团艺术总监

“

历史文明的不断开枝散叶，宫殿楼阁的摧毁、重建几经反复，再到今日的城市楼宇屹立在眼前。这幅作品延续了我的“城市山水”系列，以层层拼贴的建筑描绘这个时代的城市。我们与城市的关系，如同动物与山林的关系。城市是供给营养的“山”，是猎场，是家园；又是似静似动的“星”，在追逐，在眺望，还有追星过来的灯火。疫情后，窗户的“星光”渴望更亮，蛰伏了三年的“动物”们伺机而动。闹市中调查的结果是大量的“旅者”以及“捕猎者”和“攀登者”。这更让我认为自然世界与人文世界的关系密不可分。

于立洋

参展艺术家

”

现代都市化的城市里，人们习惯了白天在高耸的大楼间、热闹的大街上、熙熙攘攘的人群里穿梭忙碌。无止境的繁华喧嚣、车水马龙都是快节奏生活的象征。所以在每一个繁华落尽、黑夜笼罩的时分，总有些孤独涌上心头。

这幅作品最吸引我的就是那一盏盏灯，万丈高楼中的婆娑灯火，点亮了孤独的城，也守护每个晚归的人，照亮了人们心中对明天滚烫的期愿。我喜欢夜晚的静谧和黑暗中的一切光亮，黑暗与光亮共生，一体两面。夜幕低垂时，其实千家万户都藏着心事的灯吧，所以就算是下雨也没关系，只要有光亮那就是家。万家灯火明，总有一盏为你而亮。

近是灯火，远是星河。

周馨玉

湖南卫视《会画少年的天空》总决赛观众

徐圣伦

《生活万岁》

2023

木板丙烯、油画棒

92 × 160 cm（× 3）、92 × 200 cm

©徐圣伦

“

徐圣伦的四联幅作品是带有一种揭示和暗示意味的当代性作品。作品采用观念艺术的方式呈现了社会层面不同身份人群的睡姿。背景颜色采用了温暖的粉色调，与作品表达的主题和观念形成强烈的反差。在睡眠当中，人抽离了现实生活中的身份，没有高低贵贱之分，只是有不同的姿态。身躯庞大的醉汉本来是很沉重的，但是作者在表达方式上采用倒吊的视角，带给观者一种飘升的轻盈之感。

李象群

湖南卫视《会画少年的天空》策展人

鲁迅美术学院院长

”

睡觉对我来说是一件很神奇的事，徐圣伦的这件作品勾起了我对自身的好奇。我觉得他是在探索我们普通人的生活切面，一个常见却常常被忽视的切面。我喜欢他用粉色的背景去展现人在睡着后的抽离状态，有一些浪漫，或许也有一些梦境的泡沫幻影，人物的状态都是狼狈的，这个作品有种莫名的苦涩感。像我这样的普通人有很多，也许只有在睡着的那一刻，现实生活的繁杂会短暂消失，你得到了片刻停歇，而醒来之后，这五味杂陈的人生又不得不继续面对。

刘丹

湖南卫视《会画少年的天空》节目编导

“

徐圣伦描绘了四个姿态各异的人陷入睡眠的场景：保安、敷面膜的女人、醉酒者、老者。他仔细挑选、拼接、描摹看似“丑”的细节，保安青筋凸起的手背，老者枯朽瘦削的面孔，醉酒者肥硕、失去重心的身躯，灰暗无血色的肌肤，不符合完美比例的人体，无知无觉的状态，加之大面积的灰粉色，构成的诡谲图像避开了审美的愉悦性。这些普通的“小人物”带给观众不安和压迫感的同时，使人心生畏惧、感到自身之渺小。如埃德蒙·伯克在对崇高观念的起源中所述，“任何可怕的事物，或与可怕之物有关的事物，或以近乎恐怖的方式运作的事物，都是崇高的源泉。”画面中这些日常但“不和谐”元素的组合正是出自徐圣伦对于崇高的理解。

换个角度来看，徐圣伦又抛出了一个假设，美与丑、可接受与可怕难忍之间的固定关系可能随着视角的改变而游离。他将原本并不美观的人物从其原本所处的语境中抽离，并放置在平坦、无景深的单色背景中。同时，他以阴影极力塑造人物的雕塑感，并以较为灵动的构图在经营位置上实现一定的节奏感，从而形成平衡且富有力量的图景。徐圣伦利用自己的画作对“丑”进行了一种审美的判断，在刻画丑本身的显现时，通过精到的技巧达成了一种与美相呼应的效果。

王佑佑

展览“图像的影子”助理策展人

翟莫梵 

《问达云端》 

2023 

布面油彩 

480 × 220 cm

©翟莫梵

“

翟莫梵以图像拼贴的方式将他感兴趣的中外画家形象或大或小地连续描绘在云端之上，形成三角的动势关系，而三角的中央是拨开云雾但尚未到达云端的艺术家本人。漂浮在更高一层的几个长方体模糊不清，似乎成了一个谜团，也成为解读画面意涵的关键。翟莫梵的草稿为解码的过程提供了线索：神秘的物体是一盏盏高亮度的舞台灯，在观众的视线之外，却明晃晃地打在镜头前每一位艺术家的脸上，形成超乎现实的、完美的视觉效果。翟莫梵的画作正是通过任意组合超越固定叙事的人与物，在意想不到的离奇成像中，强调艺术家的意志能够反抗洪水般涌来的日常而虚假的图像。

在反抗之上，翟莫梵又营造了一个介于身体和画布之间的新空间。受启发于拉乌尔·杜菲（Raoul Dufy）的巨型尺幅画作《电的历史》（La Fée Electricité），翟莫梵以真人为尺度构造人物，他大胆涂色、挥舞笔刷，但不讲究严谨的透视。他以自身的身体消弭绘画空间的疏离感，打破自我与外界的悬置关系，从而达成与描绘对象之间直接、不断流动的对话活动。得益于此，观者面对《问达云端》时，便迈入一段时空交错的虚构历史，目光流转间与古今人物不期而遇。

王佑佑

展览“图像的影子”助理策展人

”

莫梵将他自己置于巨大的东西方大师交融的长卷里，这个场域有极多寓意：以天空为背景，契合“会画少年的天空”的主题；他自己则置身这东西方美术史交汇、中外大师交错的洪流中。我清楚感受到今天学习绘画的年轻人面对这两种文化并被其滋养的情感，也能强力感受到东西方文明交汇的十字路口，他们的选择与取舍、突破与保留。无论今天还是明天，我们都会处在这样的状态里。

常青

中国美术学院油画系教授

“

艺术家将立轴山水的形式转换为当代艺术展览中常见的绘画装置，并且形成了观众身体和意识可进入的空间，强调了可游可访道的意境。其构图采用“远取其势，近取其质”的手法，较为充分地体现了中国山水画表现自然的独到之处。画家用笔并不苍劲，淡墨轻岚间勾勒出中国北方地区的地貌。侧锋笔法师承董巨、米氏一脉，远处山峦以淡墨没骨氤氲渲染，近端岩石礬头用浓墨积出，前端树木刻画尖劲流利，强弱间的营造使画面虽重峦叠嶂却有苍茫涳濛、静谧幽深之意。画面中山脉叠影与现场的空间格局构成了进一步的状物传神之妙，令观者仿若身入其境。

画面的巨幅尺寸对策展团队的空间排布形成了技术上的挑战，经推敲后，借园林观景手法反而营造出本次展览中一个有趣所在，《此山中》不仅与观者形成了局部与全景的位置关系，也与对面的蓝天题材绘画作品形成呼应。

尤洋

UCCA集团艺术总监

”

这样的形式在观看方式上的暗示也具有特别的意义。我们知道，中国古代的绘画，无论是立轴还是长卷，其理想的观看经验都是以视觉中心为立足点游于其中来完成的。而这又对观画者曾经的观画习惯以及由此积习、熏染而来的素养提出了很高的要求。周名德将完整的山水画进行切割的表现方式提供给观者新鲜而又熟悉的游历感，很好地重现了我们“此山中山形步步移，山形面面看”的真实经验。作者表面上看似把画面分割成若干板块，这并非将审美的视野变得狭小局促，而是暗示出一种“叠切式”的审美模式，而绝不是表面看起来的“分离式”。局部在整体之中是局部，但就自身而言又是整体，不仅拉近了（画作）与观者的距离，而且妙趣自得。

贾光佐

学者、美术史论家

“

“只是因为在众多的‘画’群中多看了它一眼哈哈”，那幅黑金色的山水画映入眼帘便欲罢不能，那种喜欢带着一种魔力，把我指引到了周名德老师的画前，于是结缘。三个月走下来，这最终的一幅画，远看气势磅礴静雅，让人屏息凝视，近看忍不住要穿梭于山水之间，流连忘返……太喜欢这种山水画的力量与生动了。“不识名德真面目”，这才是“只缘身在《此山中》”的正确打开方式吧。我个人非常喜欢周名德老师的画风。在这里我竟然找到了我最喜欢的画种——国画山水！

李冰冰

湖南卫视《会画少年的天空》策展人

“

赛本源的肖像绘画系列作为展览最后一个集中展现的单元出现，旨在唤起对图像之影的再次讨论。肖像绘画是东西方艺术历史早期均有涉猎的题材，有着伟大传统，如西方的死亡面具或东方的帝王图鉴，具备内在的同一性：肖像即是面孔的影子，以肉身的缺席来获得存在之地；或者说肖像延续的并不是生命本身，而是生命的符号，因此充满了象征意义。文艺复兴时期“肖像”的拉丁语名称“persona”兼有“面具”和“人”的双重语义，表演后的脸——面具，即是人所应当的状态，面具被画家记录下来，成为了肖像，对后人彰显。从技术上来讲，早期的肖像艺术本身就是从人的脸部翻模制作；而在数字时代，艺术家的肖像创作来源亦可被视作是人脸的数字模型的翻模过程。

肖像绘画具备多向的社会功能：它是赛本源自述中提到的、受委托而定制的交换品或纪念品；它也可以被认作一种民俗形式，它外化了脸，同时内化了社会符号，譬如娱乐时代人们倾向于接受一张偶像的“脸”来代表自身群体；或者它又表征了将现实转向想象的过程，实现自我满足。从这些功能看，肖像绘画同时具备了纯艺术与实用艺术的双重意涵，也往往引发争议。然而其他艺术形式就不具备这样的双重意涵吗？比如一幅静物绘画和一张经过设计的墙纸之间的距离到底有多远，影子有多长？

尤洋

UCCA集团艺术总监

“

赛本源的绘画里隐约有一种冷峻的凝视，这是画家的“第三只眼”，也是功力和底气，但他作品的底色是暖的，这种暖不仅仅来自于色彩关系。在他创作的很多肖像中，写实之光总是以面部为聚焦向四周晕开，以至于所有色质、肌理和痕迹似乎都在为某个准确的停留而准备着。

他把强烈的绘画性收放为画面的静谧，因此我们容易忽视一种存在，即无数个不断切换的参数以及它们最终的定格。这些数字我们看不到，赛本源或许也看不到，因为建构起他数字绘画生涯的力依然来自“架上”的经验与逻辑，还有对美的感知，这使他不可复制，同时充满无限可能。他所朝向的是一个科技与媒介纵横交织的大时代，我们由此把对他的期待交织在对未来的向往中。

此刻不妨想象：天空般的屏幕不断生成图像，每一笔都准确如实，人们得以沉浸在一幅画的诞生中，而他就坐在自己的画面前。与此同时，维米尔在17世纪的画布上落下《戴珍珠耳环的少女》的第一笔。绘画，从来都是一种不息和同在。

曾晓嵛

中国美术学院美术教育系副主任

”

赛本源刚来节目的时候和我提到了一个很有意思的群体“绘圈”。我当时就想：插画、游戏设定、漫画等也许会成为展览的搅局者？绘画的破壁者？直到看到他决赛的肖像，我仿佛看到了某种未来的光，不再假设停电归元还是数字永生，不再纠结格调、种类、生老病死，不再盛行绘画里的“种族主义”——他就是想画，会画，能画，好画！我坚信霍克尼的名言：“如果给伦勃朗手绘板，他也会用得很好。”

另外，他再po我丑照，我就在他的粉丝群里发没刘海的照片，毕竟艺术不需要偶像，但是需要榜样。

翟莫梵

青年艺术家

“图像的影子——当代绘画的媒介、体制与空间”展览现场，2023，长沙。

“图像的影子——当代绘画的媒介、体制与空间”由湖南卫视、芒果TV主办，UCCA集团艺术总监、UCCA尤伦斯当代艺术中心副馆长尤洋策划，UCCA Lab项目团队组织呈现，谢子龙影像艺术馆协办。感谢展陈空间设计团队本义建筑、灯光顾问广州市三信红日照明有限公司对本次展览的支持。

UCCA Lab是UCCA集团旗下探索艺术多元合作可能性的当代文化平台。UCCA集团以北京UCCA尤伦斯当代艺术中心为核心主体，致力于通过当代艺术，推动中国更深入地参与到全球对话之中。作为探索艺术多元合作可能性的跨界平台，UCCA Lab参与各地政府文化项目，与各领域杰出品牌和跨文化创作者携手呈现多元形态的艺术项目，这些活动已成为UCCA的标志性文化活动之一。UCCA Lab目前拥有两个实体空间：UCCA Lab北京艺术空间位于798艺术区UCCA一层，占地约537平方米；UCCA Lab沃捷艺术空间（Voyage UCCA Lab）为UCCA Lab携手沃捷集团共同创立及运营的艺术空间，占地约1000平方米，坐落于上海金鹰国际购物中心一层。UCCA Lab通过合作伙伴的平台在不同的社区、城市、国家发声，将当代文化与艺术的魅力传递给更广泛人群的同时，持续探索城市在地性实践，不断拓展艺术项目边界。

《会画少年的天空》是由湖南卫视任洋团队打造的国内首档以“最新美学符号，首场催新企划”为节目定位的美学综艺，并于2022年11月25日晚10点高燃开播。正式录制之前，节目组耗费大量时间和精力，历时6个月全球“海搜”，最终从8000名青年画家中遴选出60位优秀青年入局，力求“多角度”、“全方位”，以更加新鲜的方式体现当下艺术领域的风貌。同时，节目组邀请了演员李冰冰，鲁迅美术学院院长、中国当代雕塑界领军人物李象群，第一位华人女性策展人陆蓉之，演员张智霖和脱口秀演员李诞五位嘉宾担任策展人。每位策展人手握十张邀请卡，在60位青年画家中根据自己的喜好和标准选择喜欢的画作，并邀请心仪的画家进入自己的展位，表现多元主题与风格。该节目是国内第一档聚焦美术的综艺节目，节目根据每期主题选择画作推出系列展览，带领观众深度体验多元的绘画风格和艺术表达。

谢子龙影像艺术馆位于湖南省长沙市洋湖湿地公园内，由著名摄影艺术家谢子龙先生出资创建，自2017年9月16日起对公众开放。艺术馆建筑由湖南大学建筑学院院长魏春雨先生及其团队设计，获得2019亚洲建筑师协会建筑奖公共设施——文化及机构建筑类金奖。艺术馆全馆建筑面积10600平方米，集影像收藏、学术研究、展览展示和公共教育四大功能为一体，是目前国内规模最大的公益影像艺术馆。

开馆以来，谢子龙影像艺术馆以开放包容的格局，兼容各类学科组织学术研究和展览，积极推动国内外影像艺术机构之间的交流；以“艺术+产业”的运营模式，搭建影像艺术公共服务平台，持续提供艺术公共服务；以跨界联合的合作方式凝聚社会力量，打造多元化的公共艺术活动，普及艺术生活方式；以“典藏中国”项目收藏中国经典影像作品，构建丰富的馆藏系统；以“青年艺术计划”项目支持青年影像创作者，为影像创作提供共生引力。